修圖的魔鬼

這些花了若干小時製作的相片的歸途是直接進垃圾桶。

在暗房工作裡頭，絕大多數的精力花費在思索編修目的，而多數人認為大把的時間是花在程序，然而與其說是程序，不如說是花在追求一致性，說是一致性，不如說是恆常性（perceptual constancy）。翻譯來看，一致性和恆常性都有人用，但以英文定義來說，恆常性是我更願意使用的中文，一致性用詞過於束縛。舉例來說，只要環境差異不大，我們在陽光下看到星巴克招牌，或在室內看到星巴克菜單，我們都會說星巴克的商標是綠色的，這不一致，但這恆常。

如果編輯照片存在魔鬼，魔鬼就藏在恆常性。

恆常性的追求存在於所有相片製程中，當拍攝者拍攝後，尤其是以紀錄為目的的拍攝，通常會希望在類似的環境的相片，有著類似的知覺感受，諸如形狀、大小、顏色、亮度、方向、距離、位置，這也是為什麼有些速成漫畫讓人讀不下去的原因，維持恆常性是一種心理傾向，如果分鏡沒有交代（比方說整整二頁8格都是人物特寫，沒有相對位置的分鏡）、透視混亂（同一格裡頭消失點有二組），過於忽視恆常性的結果，就是恆常性的崩潰，這部漫畫就是難看，即便內容極其特殊，難看而看不下去的結果也就是沒人看。

文章開頭的相片的部分印樣（手機在燈箱上簡易翻拍）是這樣的：

B組是這批放相的負片所在位置，A組不在這批裡頭，雖然A組頭二格與B組B1-B5有曝光差異，但以內容而言，紅色框起的A組與B組B1-B5都在某中學，時間跨度頂多半小一小，屬於類似場景、類似光線，在與拍攝者進行一般溝通後，按理必須做出以紀錄為目的的基本恆常要求。

這也就是為什麼此批相片只能直接進垃圾桶的原因。

以B5作為標準的話，天空顯然是可以明亮的，現場光差是相對高的，景物清晰，陰影與高光有著明顯轉折，然而B1、B3、B4都是發悚的天空，中間亮度與暗處的各項物體晦暗不明，並沒有現場高光差帶來的視覺印象。反過來用B4作為標準的話，會有相反的評價，但進的垃圾桶還是同一只。

而那些試條也顯示了將B1、B3、B4、B5做成近似是可行的，暗房需要做的是重新選取合適的反差濾鏡，然後再做一次試條確認，便可以獲得初步資訊，顯然這批照片並未善用試條，做了只是浪費時間。

藍色框取的B6呢？很顯然的與紅色框起的場景並不一樣，然而從該格負片及其相鄰負片的曝光狀況判斷，這位拍攝者已經將曝光與顯影理論熟記於心並應用之（對暗部測光並補償），而樹蔭與日照地面的濃度差異、空曠停車場下的淺色車輛、高掛空中的巨型看板，有這些可供判斷的放相線索，在一般恆常性的要求下，B6這一張相片簡直不堪入目，還是進到了同一只垃圾桶。

拿著相機，拍下朋友聚餐觥籌交錯、小孩公園玩耍、日常生活所見，我們都會希望在這些相近的場景有著相近的相片，甚至不是相近的場景，我們仍然會希望白色的車就是白色的車，人臉看的清楚就是看的清楚，天空很亮就是很亮，對於多數人來說這是基本要求。然而，即便是攝影集之類的相片，恆常性更顯得重要，一本集子的調性若不存在恆常性，輕則節奏紊亂，重則不知所云，當然了，攝影集的恆常性編輯標準會更難一點，裡頭相片的時空跨度經常是幾個月甚至幾十年都有的。

恆常性，不僅是知覺問題，我認為一個人的相片是有其個性差異（很勉強可以用一個很爛但大家愛的詞彙：風格），那麼張三喜歡反差偏高的相片，李四喜歡亮部壓抑的相片，王五喜歡細節簡明的相片，趙六拿著一堆片子來說這拍三四年了幫我作本家庭生活攝影集吧！

這些就是個性，就得量身。

暗房為他們做的顯影選擇、曝光建議、相紙挑選，乃至於最後進到紅光裡頭動刀，甚lightroom裡頭的「同步化設定」，negative lab pro裡頭的sync scene/sync settingts（同步主負片的第一手掃描資訊RGB分布濃度到其他負片/同步主負片的曲線編輯參數到其他負片）......這些的這些，都告訴我們，恆常性存在於所有相片。

修圖沒有魔鬼，保持冷靜不要迷路，觀察、思索、執行，collect, select, print。